Music Careers for Real Life

This article was first published in the University of Auckland’s Uni News in December 2019. See the original here.

In the 20th century, in particular, success in the arts was equalled with fame – a nonsensical notion that finally seems to be on its way out. The music industry is as diverse, exciting and transdisciplinary as never before, with new professional opportunities evolving constantly. Today’s young musicians are curious and passionate about their place in society, their cultural identity and the contributions they can make to the world. Siloed one-dimensional career pathways that dominated the second half of the 20th century do not exist any more, and I feel privileged to be in a position that enables me to contribute to the guidance of young musicians into sustainable and fulfilled lives as artists.

No two careers in music are identical, and – maybe except for the traditional orchestral musician – there is no such thing as a “job description” for any performer, composer, educator, producer, artist or music manager or theorist. Having driven a successful curriculum development that moved from a heavily prescribed curriculum to an individually curated student experience, I strongly believe that a music education institution of today should aim to guide its students through asking questions rather than providing them with answers.

Martin Rummel
(c) Elise Manahan

This approach seems diametric to the old- fashioned conservatory system based on the master-apprentice model but is essential to equip students to be thriving musicians in the volatile and fast-changing modern music industry. The separation of “those who do” and “those who teach” is equally outdated as the one between those who create and those who recreate.

Since the 1990s, “industry skills” has become a buzz phrase in music education, often resulting in outdated courses on crafting a CV or learning basic income tax or accounting. A more contemporary approach includes wide aspects of music dissemination, outreach and music appreciation, educational skills, digital literacies as well as knowledge in fundraising.

With an increasing diversification of concert formats and the constant change of opportunities for digital music dissemination, comes the need for students to not only be able to choose the best avenues for their own art but also to populate their chosen platform with meaningful combinations of content. This requires hands- on skills as well as a deep understanding of technical, social and artistic contexts. To give an example: I am convinced that in 50 years’ time, complete Beethoven Symphony cycles without a connection to the present, whatever form this connection takes, will not be performed any more.

Therefore, we must re-evaluate the acknowledgement of historical content and its relevance to now. While you are reading this, people are inventing new instruments, creating new techniques and writing new music. Consequently, music that is not older than five years has to be a standard requirement for all aspects of learning, while in current syllabi “contemporary music” often only equals atonal, dodecaphonic or serial music that is 100 years old.

It seems that 20 years into this new millennium three challenging questions for the curriculum development of a music school are shared across the globe:

  • How do we redefine the canon to address the exponential growth of musical styles, genres, techniques and languages?
  • How do we move from a teaching model based on recreation to a learning model based on creation?
  • How do we ensure students have the necessary skills for their future careers without over-prescribing their pathway through a degree?

For the delivery of a successful education model, there are other aspects to be considered, such as student mobility. I strongly believe that not only visiting students benefit individually from studying in a new country, but also the local community is enriched by incoming exchange students or international students participating in projects. This includes academics, as it often means adapting teaching style or content to cater for students who have different learning backgrounds. Successful partnership models that I have seen internationally capitalise on locally relevant content, cultural context and pedagogy.

Furthermore, partnerships with entities that enable students to have “real-life” experiences during their studies are essential. Students should have a chance to immerse themselves in the professional world under the guidance of tutors.

As today’s musical world is increasingly rich and diverse in all its aspects, students at tertiary level need to be equipped with a wide range of musical skills and knowledge. They also need to be culturally, socially and digitally aware, curious and exploratory, forward thinking and aware of the past, collaborators and critical thinkers.

A school that provides an inspiring and nurturing environment for their journey into the profession, with a sense of local relevance and responsibility, and with a conscious awareness of its standing in the international context, is an environment that I have been proud to be part of.

Music Careers for Real Life

RITMO – September 2019 (English below), September 2019

Martin Rummel – A wanderer of the cello

The cellist, who loves to explore lesser known music, returns to Bach with the second volume of (re)inventions for paladino music.

What do you try to express or say with “Bach (re)inventions” on the paladino music label, now with a new, the second volume?

This is the fourth volume of Eric Lamb’s and my (re)invention series, after the first Bach, a Mozart and a Schubert recording. It follows a tradition of arranging and reimagining works of the past that has somewhat been lost over the Originalklang movement. Bach’s multi-part keyboard works can be easily transformed into chamber music. Arranging is, of course, something which he did as well – think of the gamba sonata that became the double flute sonata or the violin concerto that turned into a keyboard concerto. As musicians, I think it is vital that we spend as much, if not more time studying repertoire that is not originally for our instrument. I honestly think that Bach would not mind, as long as we try to capture the spirit and remain respectful to the music. We also wanted to expand the range and were very happy that Elisabeth Kufferath, member of the Tetzlaff Quartett, accepted our invitation.

Here, Bach is combined with Kurtág …

Kurtág’s own Bach transcriptions that he and his wife play so magically form a beautiful link to this project. His Signs, Games and Messages, from which the short cello and flute solo pieces are taken, are similar to the Bach pieces in length, and – while of course in a completely different musical language – also in their emotional expression. Think of the F Minor invention, and the Doloroso. I also find that some movements of the solo cello, violin or keyboard works have resemblance with some of Kurtág’s short pieces. After the first (re)invention recording of five years ago (PMR0039), we thought that having a complimentary set of contemporary pieces on the second would round this project off nicely. Kurtág seemed like the obvious choice.

Martin Rummel is a friend of reinventions, like the one you created of Schubert’s Winterreise

Schubert is the composer who is probably closest to my heart. As my piano skills are not good enough anymore to even dream of public performances, I looked at other works that I could play. Besides the Duo in A Major (D574) or the Fantasie in C Major (D934), the Lieder are most obvious, particularly for cellists, as we can play them in the original keys and registers. I first tried that in concert with Henri Sigfridsson more than 20 years ago, and the Winterreise project first happened with Norman Shetler and August Zirner fifteen years ago. Norman then chose it for the celebration of his 80th birthday in Musikverein in Vienna, and when we left the stage, he told me that he was not sure if he had ever enjoyed the Winterreise more. While that is very flattering, I am very aware that he had done it with virtually every great singer of the 20th century, including Peter Schreier and Hermann Prey. What I find exciting about it is that as a cellist, you can only play it meaningfully if you really know the text. A note that has “heart” or “love” as its word, clearly has to sound different than “pain”, and so on. Bowings must reflect words and breathing, and I enjoyed rethinking my playing enormously. This is still one of my all-time favorite concert programs, and hearing the text separately reminds me how modern the entire cycle is.

You perform a lot of unknown chamber music …

I was lucky enough to have been artistic director of a chamber music festival for six years, and to have curated a few mini festivals for concert halls. When you look at any of the great composers’ works, you always find the lesser known contemporaries, predecessors or successors. I always find it great to place music in its context – and so much very good or even great music has been forgotten, sometimes only thanks to a publisher who went bankrupt, or other unfortunate circumstances. Why always only repeat the known?

Also, you edit and rescue music unknown to the world …

Aside from the superstars, most composers are known for one or a maximum of a handful pieces, and in some cases not even their best works – David Popper, of course, is the most obvious example for cellists. Everybody plays the etudes, and maybe the Gavotte, Op. 23, and the Elfentanz. Yet there are so many more, and much better pieces, including the Concertos, which I just released on the Naxos label (8.573930) and even a string quartet. Cellists always complain that our repertoire is so small. I could not disagree more: I now play more than 60 works for cello and orchestra, and over 100 duo works, and there is still more than a lifetime of works that I have not learnt yet. Convincing concert promoters to program lesser known works is a different story: Take the Zani Concertos (Capriccio C5145), which caused quite a stir in 2013 (twelve new cello concertos from the 18th century!), but when you suggest them to an orchestra or a promoter, the first answer is: “Well, can’t you rather play the Haydn, please …”. For the 2020 Beethoven year, I try to push for Ries (Naxos 8.573726 and 8.573851) – wish me luck for that!

Have you had a very intense summer of Festivals?

Due to my current role as Head of School at the University of Auckland, I unfortunately could not accept all invitations for this year’s festival season and had to jampack a six-week period in Europe with a variety of stuff. I am just back from a few performances of the Schubert Quintet with the Acies Quartett, last at the Tiroler Festpiele, and look forward to more chamber music, including a concert at the Carinthischer Sommer. We also have a very busy release schedule at paladino media (particularly on the paladino music and KAIROS labels, which both have important anniversaries this year), which adds to the fun. I feel very privileged to have such a variety of activities in my life, and am certainly not bored …

Have you been playing in Spain recently? Maybe any upcoming concerts?

I have not been to Spain for a while, unfortunately, but would love to return! A highlight that I remember very fondly was the premiere of Dorian Rudnytsky’s Costa Blanca Suite for cello and orchestra in Alicante – what a gorgeous place!



The original of this interview was published
in the September 2019 issue of the RITMO magazine, #ritmo932 .
Published here with kind permission from RITMO.


RITMO – September 2019 (English below)

The Proust Questionnaire, 2018

proust-questionnaire.jpgDear friends, family and all others: At 44, it is time to actually do it … below are my answers to the Proust Questionnaire – formulated without much thinking, with a glorious view of the Auckland Harbour Bridge and a bottle of decent New Zealand red wine.

Here are my thirty-five answers to thirty-five questions that everyone should think about every few years, and be it only for themselves.

__1.__What is your idea of perfect happiness?
To be in a position where I can make independent decisions.

__2.__What is your greatest fear?
To sacrifice freedom for convenience.

__3.__What is the trait you most deplore in yourself?
I still do not dare to say everything I think.

__4.__What is the trait you most deplore in others?
Narcissism („Giovanni, nimm dich nicht so wichtig.“)

__5.__Which living person do you most admire?
As a musician: Sir András Schiff. As a human being: Those who realize that being one of nearly 8 billion similar creatures does not justify entitlement nor special treatment.

__6.__What is your greatest extravagance?
To live without thinking too much about the future.

__7.__What is your current state of mind?
„Where to from here?“

__8.__What do you consider the most overrated virtue?

__9.__On what occasion do you lie?
When I need to protect truth.

__10.__What do you most dislike about your appearance?
My ears.

__11.__Which living person do you most despise?
Too many to even start.

__12.__What is the quality you most like in a man?

__13.__What is the quality you most like in a woman?

__14.__Which words or phrases do you most overuse?
„As I said, …“

__15.__What or who is the greatest love of your life?
What: Music. Who: My partner Eric, who fearlessly throws his emotions and thoughts at me without considering consequences.

__16.__When and where were you happiest?
When my mother died in my arms – for one very brief second, I understood life.

__17.__Which talent would you most like to have?
To always show my inner self.

__18.__If you could change one thing about yourself, what would it be?
To be able to always show my inner self.

__19.__What do you consider your greatest achievement?
To be 44 years old and still be rather fearless.

__20.__If you were to die and come back as a person or a thing, what would it be?
A Beagle.

__21.__Where would you most like to live?
In this very moment.

__22.__What is your most treasured possession?
My brain.

__23.__What do you regard as the lowest depth of misery?
Not being understood.

__24.__What is your favorite occupation?
Medical doctor.

__25.__What is your most marked characteristic?
Callousness. That is „most marked“.

__26.__What do you most value in your friends?
That they love me for who I am.

__27.__Who are your favorite writers?
Emily Dickinson, Thomas Mann, Hanns-Josef Ortheil, Daniel Silva and many others.

__28.__Who is your hero of fiction?
The Michelangelo that Irving Stone depicts.

__29.__Which historical figure do you most identify with?
Franz Schubert, because nobody else has ever managed to express the pain of beauty in a better way.

__30.__Who are your heroes in real life?

__31.__What are your favorite names?
Felix, Benjamin.

__32.__What is it that you most dislike?
Small talk.

__33.__What is your greatest regret?
Not to have fought for everything and everybody.

__34.__How would you like to die?
Without wishing for it to happen.

__35.__What is your motto?
„I am more interested in the future than in the past, because the future is where I intend to live.“ (Einstein)

The Proust Questionnaire, 2018

Zsigmondy spielt Bach

pmr0093_bach_webcover1994 starb Anneliese Nissen, Dénes Zsigmondys Frau und Duopartnerin über fünfzig Jahre Konzert- und Unterrichtstätigkeit. Die Aufnahmen von Sonaten von Mozart, Beethoven, Schubert, Brahms und Schumann sind bis heute – wenngleich bedauerlicherweise Insidertipps – beispielhaft für perfekte Duokunst. Ich lernte Zsigmondy 1995 kennen und hatte das Glück, über die nächsten zehn Jahre mit ihm Kammermusik spielen zu dürfen, in Holzhausen zu unterrichten, und rückblickend sehr viel Zeit mit ihm zu verbringen. Diese Bach-Aufnahme lag ihm unendlich am Herzen; sie war wohl sein musikalischer Abschied von seiner Frau, und sie dokumentiert zugleich die Essenz seines Daseins. Dénes Zsigmondy war in erster Linie Mensch, dann Musiker, und dann erst Geiger. Er war immer mehr interessiert an Kunst, Literatur, Architektur, Philosophie oder Musik an sich als am Geigenspiel im Besonderen. Zu den Menschen, denen er im Leben begegnete, gehörten Thomas Mann und Werner Heisenberg; er bewunderte Alfred Brendel, András Schiff und Cecilia Bartoli, und war leidenschaftlicher Tennisfan. Im Mai 1995, im Alter von 73 Jahren, schloss er sich über Tage hinweg alleine in der Kirche von Holzhausen ein, wo er Hunderte von Konzerten mit seiner Frau gegeben hatte, und spielte Bach aus seinem zerfledderten Exemplar des Faksimiles. Kein Tonmeister war anwesend; er betätigte den Startknopf des DAT-Recorders selber, nachdem Otto Braun die Mikrofone aufgebaut und ihn dann alleine gelassen hatte. Das Resultat waren rund 50 Stunden vollkommen unsortiertes Tonmaterial, denn natürlich folgte er weder einem Aufnahmeplan noch sonstigen Regeln. Es schien aussichtslos, dass aus den zahlreichen DAT-Kassetten mit wahllosen Bach-Sätzen (und manchmal nur Fragmenten) je eine professionelle Aufnahme werden könnte. Ich habe mich 1996 durch das gesamte Material gehört und gemeinsam mit Robert Müller die vorliegende Aufnahme geschnitten; noch heute erinnere ich mich an ein Band, das voll mit „Üben“ schien, aber dann einmal das Adagio der C-Dur-Sonate enthielt, das mir die Tränen in die Augen brachte – es befindet sich ungeschnitten auf in dieser Aufnahme. Keine Minute Zsigmondy, die ich damals gehört habe, empfinde ich als verschwendet. Zsigmondy bezahlte dann 1996 eine Pressung von CDs selbst; die Aufnahme ist nie richtig veröffentlicht worden. Ich bin daher glücklich, zur 95. Wiederkehr seines Geburtstags das Vermächtnis dieses besonderen Musikers in einer neu gemasterten Version einer weiteren Öffentlichkeit präsentieren zu können, und bin sicher, dass nicht nur seine zahllosen Schüler und Freunde daran Freude haben. Es ist nicht nur ein musikalischer Blick in die Vergangenheit, sondern auch in die Seele eines Menschen, den wir nicht vergessen sollten.

Zsigmondy spielt Bach

Joseph Haydn zum 286. Geburtstag

474px-Joseph_Haydn_0Es ist wohl nicht nur dem Epitheton „Papa“ zu verdanken, dass wir uns kaum vorstellen mögen, dass Haydn auch einmal jung gewesen sein muss. Aber eigentlich, wenn man ganz ehrlich zuhört, ist Franz Joseph Haydns Musik bis zu jener aus seinem hohen Alter die des Lausbuben aus dem burgenländischen Dorf Rohrau. Es ist ein flaches, unauffälliges Haus an der Hauptstraße, in dem Joseph Haydn 1732 zur Welt kam und von wo aus er von seinem Schullehrer zu einer besseren und insbesondere auch musikalisch fundierten Ausbildung in die Stadt geschickt wurde.

Die wesentlichen Fakten seines Lebens sind bekannt: verheiratet mit einer Frau, die allgemein als missmutig beschrieben und von ihm wahrscheinlich nicht im romantischen Sinne geliebt wurde (führen wir uns hier doch Mozarts geradezu gurrende Verliebtheit als Kontrast vor Augen), jahrzehntelanger Dienst bei Esterházys und später Ruhm, der ihm von Wien aus auf allen seinen Reisen vorausgeeilt ist.

Und doch, bei allem Fleiß, aller Gewissenhaftigkeit und allem Ehrgeiz, den der Haydn wohl gehabt haben muss (denn sonst wäre er kaum zu dem geworden, was er am Ende seines Lebens war: ein reicher und berühmter Mann), ist ihm zweifellos ein unbändiger und bodenständiger Schalk im Nacken gesessen. Zu viele Anzeichen gibt es dafür: allseits bekannte wie die Komposition der „Abschiedssymphonie“, aber auch weniger bekannte wie den doppelten Verkauf desselben Stücks an zwei Verleger in verschiedenen Ländern, in der Gewissheit, dass diese es nicht merken würden, bis hin zu so unendlich vielen kleinen und großen musikalischen Überraschungen, die die Erwartungshaltung seiner Zuhörer geradezu ad absurdum führen, dass ein detailliertes Aufzählen hier gar nicht möglich ist.

Wohl aber möglich ist, daraus ein sehr persönliches Bild zu zeichnen von einem Menschen, der bei allem schwer begreiflichen und unendlichen Talent doch im Gegensatz zu Mozart, dem ein göttlicher Funke innewohnt, ein durch und durch irdischer Komponist ist. Man mag sich vorstellen, daß er während einer Aufführung in der Ecke sitzt und schmunzelt, wenn der Frau Gräfin beim Paukenschlag vor Schreck der Fächer aus der Hand fällt. Mozarts Scherze sind weniger subtil: Wenn er scherzt, dann in der ihm eigenen göttlichen Maßlosigkeit, so dass man „vor Vergnügen Pomeranschen scheißen möchte“.

Haydn, wegen seiner oft unaufwendigen Kompositionsmittel auch immer wieder unterschätzt (hat jemals jemand Mozart unterschätzt?), braucht mitunter Intellektuelles Verständnis, ohne das man bei Mozart wahrscheinlich weiter kommt. Haydn ist dennoch nicht weniger beglückend und vor allem oftmals kühner als man es dem „Papa“ instinktiv zutrauen möchte.

Joseph Haydn zum 286. Geburtstag

Wolfgang Amadeus Mozart zum 262. Geburtstag

Mozart, Wolfgang Amadeus (BKA)_0Über Mozart, den Komponisten, der wohl den Göttern am nächsten ist, scheint alles gesagt. Und doch gibt es Dinge, über die man auch als Musiker nicht täglich nachdenkt.

1862 machte sich der Jurist, Historiker und Amateurmusiker Ludwig von Köchel, Erzieher der Söhne von Erzherzog Karl, daran, die Werke Wolfgang Amadé Mozarts zu katalogisieren. Und da beginnen schon die Probleme: Wolfgang Amadeus Mozart hieß gar nicht „Amadeus“. Wir haben keine einzige solche Unterschrift von Joannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart (so der Taufname), lediglich in drei Briefen verwendet er – und das auch nur eher scherzhaft – die später wahrscheinlich durch den amtlich latinisierten Eintrag im Sterberegister üblich gewordene Form seines von ihm stets gewählten „Amadé“ übersetzten dritten Vornamens Theophilus. Noch die ersten Werke erschienen als „J. G. Wolfgang Mozart“, das G für „Gottlieb“.

„Wurscht“, mögen Sie jetzt zu Recht denken – ist es aber doch nicht ganz, denn es zeigt, daß man mit wieviel Forschung auch immer an die wahren Details im Leben des W. A. Mozart wohl nicht herankommen wird. Und so verhält es sich auch mit dem von fünf weiteren Musikwissenschaftlern unaufhörlich ergänzten, erweiterten und umgearbeiteten Köchel-Verzeichnis, dessen inzwischen achte Auflage aus dem Jahr 1983 nicht nur für Musiker ein inzwischen unüberschaubares Chaos darstellt. In noch chaotischerem Zustand ist wohl das in meinen Augen unselige Werkverzeichnis von Joseph Haydn, das Anthony van Hoboken in den Jahren 1957 bis 1978 angefertigt hat.

Während Sie diese Zeilen lesen, wäre das erste Werk des Köchelverzeichnis, das Menuett in G-Dur KV1 (erste Auflage) bzw. KV1e (sechste Auflage) wahrscheinlich schon vorbei. Nicht einmal die Entstehungszeit dieses kleinen Stücks ist wirklich sicher: War Mozart nun fünf oder acht Jahre alt, als er es schrieb? Das nun – Sie mögen es mir verzeihen – finde ich „wurscht“, denn mir als Musiker wird das Wunder Mozart immer unbegreiflicher, je mehr Musik ich von ihm kenne.

Springen wir ins Jahr 1785. Mozart war auf dem Höhepunkt seiner Schaffenskraft und – das sei hier nebenbei erwähnt – alles andere als ein verarmtes Genie. In heutiger Währung waren es in den Wiener Jahren Millionen, die er umsetzte. Der konzertierende und komponierende Superstar, der für die Kerzen in der für seinen Billardtisch eigens konstruierten indirekten Beleuchtung jährlich bedenkenlos mehr Geld ausgab als die Mehrheit der arbeitenden Bevölkerung verdiente, lebte überschwenglich: prachtvolle Wohnungen, Instrumententransporte, Bedienstete, Kleider, Perücken, die Kuraufenthalte für seine Frau, Festessen und vieles mehr. Andererseits: Er war 29 (!) Jahre jung, endlich erfolgreich und gesund – wofür hätte er sparen sollen? Er konnte ja nicht wissen, dass er mit 35 tödlich erkranken würde. Dass bei einem solchen Lebenswandel dann auch einmal eine Produktion, in die er viel Geld investiert hatte, ein Flop sein konnte, ist nur natürlich, und Versicherungen jeglicher Art kannte man nicht. Also gab es zeitweise Engpässe – heute würde man sagen: unregelmäßigen cashflow. Aber richtige Armut? Nie – das gehört ins Reich der Legenden. Mozarts Gagen in Wien waren astronomisch. Man würde ja auch heute von Michael Jackson nicht sagen, er hätte „verarmt“ gelebt …

Nächste Station: 1788. Es sind die drei letzten Symphonien, Klaviertrios und -sonaten sowie verschiedene kleinere Werke, die es (jenes nach dem „Don Giovanni“) beherrschen. Mozart – man vergesse das nicht! – war immer noch erst 32 Jahre alt. Die Symphonie in C-Dur KV 551 („Jupiter“) ist die letzte, wenngleich mit dem „Titus“, der „Zauberflöte“, dem Requiem und dem Klarinettenkonzert noch massenhaft Orchesterwerke folgen sollten. Die drei letzten Symphonien entstanden wohl innerhalb von zwei Monaten, sind doch die Niederschriften mit 26. Juni, 25. Juli und 10. August datiert. Wenn das für nachkommende Musiker keine Aufforderung zur Demut ist … Die Tonarten g-moll, Es-Dur und C-Dur könnten auf die drei Symphonien 82 bis 84 von Haydn zurückgehen, die im Dezember 1787 als sein op. 51 im Druck erschienen ist. Eine weitere Verbeugung vor dem großen Gönner? Es scheint demzufolge beinahe schicksalhaft, dass ausgerechnet in London, wo Haydn manche seiner größten Erfolge feierte, von dem Impresario Johann Peter Salomon 1829 der Name „Jupiter-Symphonie“ geprägt wurde. Amadeus und Jupiter – wer da den kürzeren zieht, bleibt wohl offen.

Schauen Sie das Phantombild des BKA an, das einen Besessenen zeigt. Schumanns Zitat:„Klimpere nie!“ ist geradezu harmlos im Vergleich zu Mozarts Schaffensdrang. Was bleibt? Vielleicht eine weitere Antwort auf die Frage, woran Mozart gestorben ist: Zu viel Leben.

Wolfgang Amadeus Mozart zum 262. Geburtstag

Ludwig van Beethoven zum 247. Geburtstag

ludwig-van-beethoven-death-mask-of-the-german-composer_2_0Eigentlich ist es ja seltsam, dass ausgerechnet ein Rheinländer mit niederländischen Wurzeln als einer der drei Hauptvertreter der „Wiener Klassik“ gilt. Die anderen beiden sind übrigens ein Salzburger (Mozart) und ein Burgenländer (Haydn). Ludwig van Beethoven, geboren 1770 im damals noch beschaulichen Bonn am Rhein als Sohn eines dem Alkohol verfallenen Orchestermusikers, kam also dank diverser Gönner nach Wien, um von dem Burgenländer die Wiener Klassik zu lernen, und blieb – wie so viele vor und nach ihm.

Auch bei Beethoven sind die Eckpfeiler seines Lebens wohl bekannt oder leicht nachzulesen. Beethoven, von den drei Wiener Klassikern derjenige, der die Schwelle zur Romantik am ehesten berührt, wenn nicht sogar ganz zaghaft gelegentlich schon überschreitet, quasi mit der kompositorischen kleinen Zehe. Mozart, der Göttliche, Haydn, der Irdische, und Beethoven, der … ja was? „Titan“ ist einer der Begriffe, die man immer wieder in Zusammenhang mit ihm findet. Warum ausgerechnet „Titan“?

Beethoven ringt ein Leben lang. Mit sich, seinem Inneren und Äußeren. Glaubt man den zeitgenössischen Beschreibungen, so war er kein äußerlich schöner Mensch: als klein und pockennarbig, mit wildem Haar und oft grimmigem Gesichtsausdruck wird er dargestellt. Das Innere ist wohl schwerer zu beschreiben, ist es doch so untrennbar mit manchen Äußerlichkeiten, so etwa der immer wieder verschmähten Liebe und dem Verlust der akustischen Wahrnehmungsfähigkeit der Umwelt verbunden. Nicht nur daraus resultiert wohl ein geradezu panisches Ringen mit den musikalischen Gedanken, die sich in seinem Kopf und seiner zerklüfteten Seele formen. Meist sind es Tonleiter- oder Dreiklangsmotive, die er – anders als die endlos fließenden Mozart-Melodien oder die fast sprachlich artikulierten Haydn-Motive – zu markanten Themen zusammenschmiedet.

Abweisend und schroff sind viele seiner Themen, ja ganze Werke brauchen die Bereitschaft von Musikern und Zuhörern, sich auf diesen Menschen einzulassen. Und doch gibt es die Momente der beinahe unbeschwerten Schönheit, sogar Anflüge von Humor, wenngleich selten „Spaß“. Harmlos war er sicher nicht, der Komponist von „Hammerklavier“-Sonate, Fidelio und den späten Streichquartetten. Wäre er ein bildender Künstler gewesen, hätte er wohl mit Granit und heutzutage auch mit Stahl gearbeitet. Und doch tun sich Sehnsüchte auf (man denke an den langsamen Satz der „Pathétique“-Sonate), friedlich-pastorale Werke (so etwa der erste Satz des G-Dur-Klavierkonzerts, der erste Satz des „Erzherzog“-Trios oder die A-Dur-Cellosonate) und auch heiter-unbeschwerte Sätze (etwa der letzte Satz des dritten Klaviertrios, der letzte Satz des Tripelkonzerts oder weite Teile der siebten und achten Symphonie) kommen vor.

Beethovens Musik springt einen nicht an, weder den Zuhörer noch den Spieler. Sie braucht, um ihre volle Faszination zu entfalten, den Willen, dem Menschen Beethoven entgegenzukommen. Lässt man sich aber einmal auf diese Reise wirklich ein, kommt man von ihr nicht mehr los. Und irgendwann, irgendwann erklärt sich auch das Unerklärliche, zum Beispiel wie in den letzten Streichquartetten die Cavatine neben der Großen Fuge stehen kann. Beethoven näherkommen zu wollen ist eine Reise zum Mittelpunkt der Erde.

Ludwig van Beethoven zum 247. Geburtstag

The Zani Story

It all started in early 2012. I was teaching at the University of Auckland, and a colleague was the external assessor of a PhD thesis from the University of Canterbury: Jill Ward had written a biography and transcribed all extant works of Andrea Zani (1696–1757) into modern music typesetting. One of the 13 volumes continued the twelve cello concertos, the manuscript of which is housed in the collection of the Schönborn family in Wiesentheid (Germany).

To cut a long story short: I applied for funding from the university’s highly competitive research fund to make the world premiere recording of these works with the Kölner Akademie and Michael Alexander Willens, to be published by Capriccio. I was awarded nearly NZ$50,000 to pay for the orchestra, the conductor, the recording and editing, and my travel. Subsequently I flew down to Christchurch and met with Jill Ward’s supervisor, Dr Brian Pritchard, to go through the scores for mistakes. Already there I should have been warned: When I took some pictures from that meeting, he said that I was not to use them publicly (not even on Facebook!), and that I had to get permission to record the works from the Schönborn archive.

I repeatedly contacted the then librarian via email, letter and even tried to phone her, and for nearly half a year I did not get a reply. When we were already in the editing phase of the concertos, I received an email from a certain Mr Stingel, a lawyer who said he was in charge of handling the archive now. After referring him to the owner of Capriccio, I put some money of the university grant aside to pay for copyrights. In a phone conversation, I tried to convince him to register the concertos with GEMA as “nachgelassenes Werk” (which would ensure royalties for 25 years) and also offered to make contact with publishers who might be interested in printing the works for wider distribution. It became soon clear that all he was interested in was money – the music never mattered. I believe the deal that was made with Capriccio was well over
EUR 1,500 for the first print of the recording, but it might even have been more. Mr Stingel made it clear that any live performance was forbidden unless it was subject to further payment. I will leave it to you to judge the ethos of taking money of that sort from a university funding a recording (as a comparison, the regular GEMA tariff would likely have been somewhere in the region of 800 to 1,000 Euros).

C5145_Zani_frontcoverHowever, the case was solved, and the Concerto CD is what it is. It won a “Pizzicato Supersonic”, was an ICMA nominee, is shortlisted on the Fanfare Wish List and got rave reviews all over the world in magazines and newspapers from the American Record Guide to Gramophone, and in multiple languages. I understand from the owner of Capriccio that now, three years later, Mr Stingel is demanding more money for this recording because of its apparent success. I do not know the sales figures, but I would be surprised if they were significant enough to justify an even bigger payment – and all that for a composer who died over 250 years ago, and for who the Schönborn estate never did anything. Had Dr Ward’s dissertation and my funding application not happened, these concertos would still collect dust in the archive.

Since its release in 2013, I had about 30 requests from cellists all over the world for the music, all of which I turned down with an explanation along the above lines.

Yet this is not the end of the story.

In September 2013 and doing a random Google search, I discovered that the German Wikipedia article on Andrea Zani now gave a link to download Dr Ward’s complete thesis at the University of Canterbury, sheet music included. Assumingly like many others, I downloaded that file. Johannes Kernmayer, the owner of Capriccio, urged me to record more Zani, and with the music now available, we scheduled the divertimenti with C5264_zani_frontcoverviolinist Lena Neudauer and myself for late 2014. Remembering the saga with the cello concertos, I insisted on a specific clause in the contract that Capriccio would take care of the appropriate copyright clearance. The recording was released in mid-2015, and it got a handful of favorable reviews since.

On 20 March 2016, I received an abusive email from Dr Ward, accusing me of all sorts of things for having recorded the Divertimenti, backed up by Mr Stingel, who claimed a copyright breach, implicating that this might be subject to criminal prosecution. I referred both to Capriccio, and wrote a polite letter to Paul von Schönborn in an attempt to settle the matter and to get some sensible direction into the discussion – this is not a multi million-dollar pop music hit after all (the divertimenti have sold some 450 copies so far, from what I understand from Capriccio). As of 2018, this letter has remained unanswered.

A week later in March 2016, I received an even more abusive email from Dr Ward, making it clear that I was a purely selfish idiot amongst other things. Since I have to this day never met Dr Ward (Michael Willens, the conductor of the cello concertos, even raised the question if she exists at all) and knowing from Dr Pritchard that she has allegedly gone back to nursing and is not pursuing a career as a musicologist, I have my doubts if it is really her who wrote these messages. Especially since on 1 April 2016 and clearly in the New Zealand time zone, somebody who calls themselves “Mii 97531” (and has never done anything else on Wikipedia) filed a request to get my entry in the English Wikipedia deleted. Their justification is too good to not share with you: “Firstly, it is questioned whether Martin is notable enough for his own wikipedia page. There are many, many (millions of) artists and musicians who have performed just as widely and released as many recordings who do not have a page. Secondly, there are not enough sources for most of the biographical information. In fact, I would go so far to say that most of the article is written by Martin Rummel himself. The information is incredibly detailed and a lot of it, such as Martin’s appointment as Head of School, just a few weeks ago, is very recent, which you would not expect on a biography of a person of his relatively limited notability. Most of the sources are for the discography at the end, but many of these are not cited. Lastly, the style is very questionable. Compare the article with Martin’s biography on the University of Auckland website, which is written in a very similar, boastful style and tone. Again, it seems clear that the article was written by Martin. The specificity of information for a relatively un-famous musician, the lack of sources to support this detailed information, and the narrative-style of writing point to the article being written by Martin himself. It begins like this and continues throughout: ‘The son of Peter Rummel, professor of law, grew up in Linz, where he went to primary school…’ In summary, I believe this article fails on the grounds of: notability; lack of sources; and style.” I have every reason to believe that “Mii 97531” is either Dr Pritchard (likely) or Dr Ward (unlikely).

As a sideline: No, I have not written my own Wikipedia page. I am aware that some people I know have updated biographical details and especially the discography and the list of publications (which is not hard, since all these details can be found and verified via simple Google searches), and it is more than logic that all officially circulated biographies have “similarities in style”, since it is most likely that they all are copies of each other, at some point written by a manager and then constantly updated, modified for the purpose etc. A simple Google search of my name will result in dozens of narrative PR texts and biographies. My university biography was indeed my doing, using and modifying one of the official texts written by a PR professional – that is what they are there for. Another sideline: I have naturally not made a single Euro on the Zani recordings; on the contrary: I have put money into them by contributing to travel etc., not to talk of the work.

The University of Canterbury has taken Dr Ward’s dissertation off the internet, and Johannes Kernmayer has offered Mr Stingel to take the Zani recordings off the market if the situation becomes too complicated. And this is where it stands as of today – I will update this if there is any further development.

If you want to get in touch with any of the people involved, you can find their addresses by clicking on their names: Dr Brian PritchardPeter StingelPaul Graf von Schönborn,  Johannes Kernmayer.

The Zani Story

Rücktrittsrede als Intendant des Klassik Musikfest Mühlviertel

Sehr geehrter Herr Landeshauptmann,
lieber Josef,
liebes Kulturwerkstatt-Team,
liebe Musiker,
sehr geehrte Damen und Herren!

Martin Rummel
(c) Erich Pröll

Zum sechsten Mal stehe ich nun hier und freue mich, dass wir das Klassik Musikfest Mühlviertel eröffnen.

Ich begrüße besonders die Musiker, die nach Oberösterreich gekommen sind, und ich danke Euch von Herzen, dass Ihr bei uns seid.

À propos Oberösterreich: „Kulturland Oberösterreich“ steht überall zu lesen. Wodurch aber verdienen wir diesen Begriff, und was bedeutet er?

Kultur (zu lateinisch cultura „Bearbeitung, Pflege, Ackerbau“, von colere „wohnen, pflegen, verehren, den Acker bestellen“) ist im weitesten Sinne alles, was der Mensch selbst gestaltend hervorbringt.

Als „Kulturlandschaft“ bezeichnet man gemeinhin eine durch die Wirtschaftsweise des Menschen stark geprägte Landschaft. Da nun mehr oder minder ganz Mitteleuropa eine Kulturlandschaft im wissenschaftlichen Sinn ist, bräuchte man dafür eigentlich kein eigenes Logo. Also reden wir hier wohl nicht über Ackerbau, Viehzucht, Forstwirtschaft, Landschaftsregulierung, Straßenbau, Schulen, Kirchen, Klöster, Sportstätten und alle anderen zivilisatorischen Errungenschaften, die mit öffentlichen Geldern finanziert werden.

Seltsam eigentlich, denn alle diese Errungenschaften unterscheiden uns vom Tier, und dass wir sie mit gemeinschaftlichen Finanzmitteln erhalten, erscheint uns allen selbstverständlich. Das ist die wahre Bedeutung des Begriffes „Kultur“.

Und dann gibt es den immer wieder erstaunlichen Begriff der „Kultursubvention“, von dem im Zusammenhang mit den vorgenannten zivilisatorischen Selbstverständlichkeiten niemand spricht. In Wahrheit aber, meine sehr geehrten Damen und Herren, sind die gemeinschaftlichen Gelder, die in unser tägliches Leben mit Krankenhäusern, Schulen, Altersheimen, Kindergärten und Sportstätten fließen, Kultursubventionen für unsere Lebenskultur.

Das „Kulturland Oberösterreich“ rühmt sich mit diesem Logo aber nicht seiner gut gepflegten Kinderspielplätze – obwohl es dazu wahrscheinlich auch allen Grund hätte –, sondern mit Ereignissen wie unserem wunderbaren Fest hier. Der Begriff „Kultur“ ist also von den zivilisatorischen Errungenschaften verrutscht zu künstlerischen Ereignissen, die man anscheinend nicht genauso selbstverständlich findet wie Kinderspielplätze und daher nicht einfach erhalten, sondern „subventionieren“ muss.

Das lateinische Wort „subvenire“ heißt „zu Hilfe kommen“. Warum muss man künstlerischen Ereignissen zu Hilfe kommen – und Krankenhäuser „erhalten“?

Diese Einschätzung ist meiner Ansicht nach bedrohlich.

„Kultur“ im Sinne von „Kunst“ ist nämlich kein Luxusgut, sondern die Grundlage für ein zivilisiertes Miteinander, die Basis für ein dialogisches und humanistisches Zusammenleben. Nur wenn Kultur im weiteren beziehungsweise Kunst im engeren Sinne und somit der Respekt vor der Unterscheidung zum Tier gepflegt werden, ist der Mensch wirklich Mensch und ein Staat überlebensfähig. Wo es hinführt, wenn sich die Menschen ihrem Kulturland nicht mehr verbunden fühlen, sehen wir derzeit in Griechenland, einst Wiege der Zivilisation.

Denn: Eine „Subvention“ für Kunst ist keine gnadenvoll lebenserhaltende Maßnahme für ein vermeintliches oder gar überflüssiges Luxusgut. Vielmehr ist es eine Notwendigkeit, dass in allen Bereichen, in denen die öffentliche Hand selbstverständlich den Leistungen zum Wohl des Einzelnen zu Hilfe kommt, diese Hilfestellung auch geboten werden kann.

Um so mehr muss jeder Geldgeber unterscheiden, welche lebenserhaltenden Maßnahmen für kulturelles Leben auch nachhaltig sind. Es ist nicht einzusehen, dass die Verpflichtung zur Erhaltung von sozialen Kulturerrungenschaften ganz selbstverständlich auch über Steuern, Sozialbeiträge und sonstige gerecht verteilte Abgaben finanziert wird und in viel zu wenigen Bereichen auch zum eigenen Vorteil des Gebers geltend gemacht werden kann, Kunst hingegen zwar von allen konsumiert, aber von niemandem finanziert werden will. Das betrifft kleine Theater und Museen, Pop und Jazz ebenso wie Unternehmungen wie unsere hier. Es kann nicht angehen, dass die öffentliche Hand alleine die Kunst am Leben erhalten muss, wenn gleichzeitig die Spende an das Rote Kreuz steuerlich absetzbar ist. Eine Gesellschaft, die sich an Shakespeare, Picasso, Mozart oder den Comedian Harmonists erfreut, pflegt nämlich auch ihre Alten und Kranken – und setzt sie nicht in der Wildnis aus. Dieser Zusammenhang ist es, der ein Kulturland ausmacht.

Heutzutage gibt es nicht nur in Österreich aus meiner Sicht ein „Frontalangebot“ von kulturellen Ereignissen, die auch ein gewisses Schaulaufen von Reich und Schön und andere Oberflächlichkeiten mit sich bringen und deren inhaltliche Relevanz mal größer und mal kleiner ist – je nach Fähigkeiten der jeweiligen Verantwortlichen.

Daneben gibt es bedauerlicherweise auch irrelevante Ereignisse, die aus schwer nachzuvollziehenden Gründen am Leben erhalten werden, und sei es nur, weil ein Verantwortlicher über Freunde an den richtigen Stellen verfügt, Wähler nicht vergrault werden dürfen oder aus Eitelkeit temporäre Denkmäler gesetzt werden müssen. In Zeiten wie diesen, in denen das goldene Füllhorn nicht mehr unerschöpflich ist, wäre es an der Zeit, behutsam und mit Sachverstand daran zu gehen, diese Ereignisse zu identifizieren. Im Zuge einer solchen Identifikation könnte nämlich auch eine „Weiße Liste“ entstehen, die kulturbewussten Bürgern die Auswahl erleichtern könnte, wo sie sich denn finanziell oder mit sonstiger Hilfe beteiligen können, wenn sie zwar den Willen dazu, aber nicht genügend Sachverstand haben, um eine Auswahl zu treffen. Ähnlich dem Status der „Gemeinnützigkeit“ oder dem der caritativen Einrichtung könnte es eine Art empfehlendes Gütesiegel geben, das – da bin ich sicher – die Sponsoringbereitschaft besonders dann erhöhen würde, wenn es irgendeine Gegenleistung gäbe. Wieso kriege ich 400 Euro Cash vom Staat geradezu aufgedrängt, wenn ich mein Dieselauto mit einem Partikelfilter nachrüste, aber nicht einmal einen banalen Steuererlass, wenn ich 400 Euro für die Oberösterreichischen Stiftskonzerte spende? Von der „Abwrackprämie“ beim Neuwagenkauf im benachbarten Ausland wage ich gar nicht zu sprechen: Grenzt das nicht an „Neuigkeiten aus Absurdistan“, wenn man gleichzeitig den Musikunterricht in den Schulen streicht? Das, meine Damen und Herren, ist gelebtes Abwracken, ganz ohne Prämie.

Es gibt nämlich bedauerlicherweise – um auf das Gütesiegel zurückzukommen – eine große Zahl an erstaunlichen Initiativen, die kein „Frontalunterricht“ sind, sondern zwischenmenschliche Sensationen, die unter dem Radar bleiben und somit den Sprung in eine gesicherte Existenz nicht schaffen, obwohl die inneren und äußeren Gegebenheiten dafür und die Akzeptanz geradezu himmelschreiend existent wären. Zu diesen zähle ich unbescheidenerweise unser Fest hier, für das ich mit den besonderen Menschen der Kultur-Werkstatt-Schnopfhagen und dank der Großzügigkeit von einigen wenigen Idealisten in den letzten sechs Jahren verantwortlich sein durfte. Hier ist eine ganze Gemeinde Kulturland: Ein Miteinander und Dialog jenseits aller vermeintlichen Schwellen, inzwischen mit internationalem Standing. Die statistischen Daten der sechs Festivaljahre können Sie dem heurigen „Buch zum Fest“ entnehmen.

Ich habe seit mehreren Jahren wiederholt und auch öffentlich gesagt, dass wir, um eine nachhaltige Existenz des Klassik Musikfest Mühlviertel zu sichern, neben der öffentlichen Hand Partner brauchen, die die Wichtigkeit des Ereignisses anerkennen und uns dabei helfen, den Kräfteverzehr der verantwortlichen Personen mittelfristig in ein zunehmend vertretbares Maß zu bringen. Offensichtlich habe ich aber entweder – man verzeihe es dem leidenschaftlichen Intendanten dieses Festes – eben diese Wichtigkeit des Ereignisses oder meine eigenen Kräfte, für diese Entlastung zu sorgen, überschätzt.

Ich habe also diesen so essenziellen Schritt nicht geschafft und musste auch für 2012 wieder viel zu viele uns wohlgesonnene Menschen um beinahe unbescheidene Gefallen bitten. Ich konnte es trotz wiederholter Hilferufe, vieler vergeblicher Besuche, unbeantworteter Briefe und Emails meinen Freunden hier in Oberneukirchen nicht ersparen, um teilweise zweistellige Kleinstbeträge zu betteln, ohne die zum Beispiel die Klaviermiete nicht bezahlt werden könnte, die dank Idealismus von Bruno Weinberger übrigens niedriger ist als bei vergleichsweisen Veranstaltungen die Kosten für den Lotsendienst auf dem Parkplatz. Es gibt für mich daher nur eine einzige Konsequenz: Ich trete mit dem Ende dieses Festes am Samstagabend als Intendant des Klassik Musikfest Mühlviertel zurück.

Das Team der Kultur-Werkstatt-Schnopfhagen hat  daraus abgeleitet, dass mit diesem meinem Rücktritt das Klassik Musikfest Mühlviertel 2012 das letzte seiner Art ist.

Lieber Josef Ehrenmüller, liebes Kultur-Werkstatt-Team: Ich danke Euch für diese Loyalität und für sechs wunderbare Jahre. Oberneukirchen wird einen besonderen Platz in meinem Leben behalten, und ich bin sicher, dass unser gemeinsamer menschlicher und kultureller Weg hier nicht endet.

Ich wünsche mir für das Kulturland Oberösterreich und seine Vertreter, dass sie den Mut haben, über die Orte, die mit Menschen wie Christine Gasselseder und ihrem Team gesegnet sind, das sagen, was ich selbst hemmungslos sage. Vor allem aber sage ich das nicht nur, wenn ich vor den Menschen stehe, über die ich spreche, sondern besonders dann, wenn diese Menschen nicht bei mir sind: Ich bin stolz, ein Österreicher mit einer starken Verbindung nach Oberösterreich und insbesondere nach Oberneukirchen zu sein. Ich bin stolz, Teil dieser Gemeinschaft und dessen gewesen zu sein, was hier kulturell und somit zwischenmenschlich erreicht wurde und hoffentlich weiter erreicht werden wird.

Und ich wünsche mir, dass man in Hinkunft mutig genug ist, starke Entscheidungen zu fällen. Nicht nur mein Stolz endet nämlich, wo Kultur erzwungen wird, die an den Herzenswünschen ihrer Menschen vorbeigeht oder an den Herzenswünschen derer, die Kultur tragen oder umsetzen müssen. Leider fallen mir auch dafür Beispiele ein.

Letztes Jahr habe ich hier über den Heimatbegriff gesprochen. Es gilt für mich nach wie vor und mehr denn je: Hier, bei meinen Freunden in Oberneukirchen, bei einem wunderbaren Publikum und mit der Aussicht, jetzt noch vier Konzerte mit Werken des göttlichsten aller Komponisten spielen zu dürfen, hier ist meine Heimat. Und sie wird es auch nach morgen abend bleiben, wenn das Klassik Musikfest Mühlviertel nur noch eine Erinnerung ist.

Jeder Augenblick, den ich verliehre,
ist auf ewig verlohren.
Und wenn ich je gewust habe,
wie kostbar die Zeit für die Jugend ist,
so weis ich es itzt.
(Mozarts Vater an Hagenauer)

Rücktrittsrede als Intendant des Klassik Musikfest Mühlviertel


„LÅT DEN RÄTTE KOMMA IN“ bei der Viennale

lettherightoneinpicTomas Alfredsons Vampirfilm wird OmU (englisch) geboten, was einmal mehr mein Faible für Originalfassungen bestärkt, wenngleich die Untertitel manchmal ein etwas seltsames Englisch bedeuten. Aber immerhin hat man einen Eindruck der Stimme zum Gesicht – und darum geht es ja.

Obwohl ganz neu (2008) wird uns 114 Minuten lang suggeriert, wir befänden uns in den auslaufenden 1970er Jahren. Ein ganz normaler schwächlicher Zwölfjähriger (Kare Hedebrand), Opfer von Bullying und Scheidungskind – hier werden für meinen Geschmack ein paar zu viele Klischees bedient – verliebt sich in das gleichaltrige Nachbarsmädchen (hinreißend: Lina Leandersson; wann haben wir zuletzt bei einem Kind so schöne Augen gesehen?). Bedauerlicherweise ist jenes Mädchen ein Vampir, und demzufolge ist die Liebe etwas problematisch. Also: Am Ende siegt der Schwache über die vermeintlich Starken, und die Liebe über den zeitweise unausweichlich scheinenden Tod. Wie immer.

Dennoch: Einerseits werden Klischees bedient und Verdopplungen von Effekten eingesetzt, beispielsweise besonders auffallende Musik- oder Soundeffekte bei entscheidenden Szenen (manchmal ist es fast bedrückend still in diesem Film). Andererseits aber schafft dieses Kammerspiel etwas, was bei fast zwei Stunden rund um Mitternacht schon eine Kunst ist: Man bleibt dabei. Längen sind nicht langweilig, und in gewisser Weise ist man doch gefesselt (ob mit der Faszination des Voyeurs oder durch die Handlung ist mir immer noch nicht klar).

Erinnernd an Aki Kaurismäkis seltsame Geschichten werden hier ein paar sehr schöne Bildeffekte (etwa die Überblendungen des Anfangs oder die gar zu nahen Nahaufnahmen mit verschwommenem Hintergrund) fast zu Tode geritten, wohingegen manchmal geradezu schmerzvoll gespart wird. Meine Empfehlung also: Wenn Sie die Chance bekommen, diesen Film zu sehen, nutzen Sie sie. Lena Leanderssons Darstellung des von den Gefühlen zerrissenen Vampirs ist meiner Meinung nach weit über den durchschnittlich gebotenen Leistungen von Schauspielern im Kindesalter.